Con una trayectoria marcada por la exploración constante, esta actriz ha encontrado en cada escenario un espacio para desafiarse, cuestionar narrativas y conectar desde la honestidad. Del cabaret al cine y la televisión, su recorrido refleja una mirada crítica, lúdica y profundamente humana sobre el oficio actoral. ¡Conócela más!
Vienes de una formación sólida en la Universidad Nacional Autónoma de México en Literatura Dramática y Teatro, ¿en qué momento esa base académica dejó de ser teoría y se convirtió en instinto sobre el escenario?
Creo que fue el Instinto lo que me llevó a la facultad y luego al teatro. Desde niña, lo escénico se volvió una obsesión, hacía obras de teatro, bailaba, algo muy poderoso me llamaba, tomaba talleres y cuando decidí por una profesión, lo tenía más que claro. En la facultad empezaron a llegar los primeros trabajos de teatro infantil y de ahí, el teatro se volvió no sólo un trabajo sino también mi escuela.
Tu paso por el cabaret no es menor: es un terreno crudo, directo. ¿Qué te enseñó ese formato sobre el riesgo y la conexión con el público que hoy sigues aplicando?
El cabaret es un género que fue muy formativo para mí, por un lado aprendí a ser autogestiva y entendí la importancia de tener un discurso contestario que sirva de catarsis social, pero también me enseñó la herramienta de la improvisación como medio para conectar con el público y aprovechar los errores para incluirlos en el delirio de una puesta en escena. Encima de todo, fue muy divertido y aprender a usar el llamado timing, es algo que valoro para usar en cualquier formato y personaje.
Has construido una carrera teatral muy diversa, desde lo clásico, hasta lo contemporáneo. ¿Cuál ha sido el montaje que más te sacudió emocionalmente y por qué?
Hay muchas obras que me han tocado, pero recuerdo "Buenas Personas" dirigida por Diego Del Río, porque era una obra que confrontaba a una sociedad que promueve el "échale ganas para que te vaya bien", sin tomar en cuenta las enormes desventajas de condiciones de vida de la gran mayoría de la población. Un tema complejo, una obra con un elenco espectacular y la gran dirección de Diego. Fue un proceso muy enriquecedor.
En cine has transitado por historias muy distintas, desde Tiempo compartido hasta Tótem. ¿Cómo eliges los proyectos que sí dialogan con tu momento personal y artístico?
Creo que hay momentos para todo. Antes me dejaba llevar por una cuestión de proyectar mi carrera hacia no encasillarme en formatos y/o personajes, pero creo que a estas alturas, para mí, lo más importante es pasarla bien, jugar, explorar, retroalimentarme y buscar proyectos que sean gozosos.
Ganar el Premio Ariel a Mejor Coactuación Femenina marca un antes y un después. ¿Qué cambió en tu forma de ver la industria y tu propio lugar dentro de ella?
Me hizo más consciente sobre las necesidades de nuestro cine. Ver tanto talento y tan pocos recursos es muy frustrante y al mismo tiempo es un compromiso para no soltar el alzar la voz y pedir financiamiento no sólo para producción sino para distribución, que ahora es lo que veo más olvidado.
En DOC interpretas a una jefa de enfermeras en un entorno de alta tensión. ¿Cómo construiste a este personaje para que no cayera en los clichés del drama médico?
Fue muy divertido hacer a Teresa, un personaje que tiene el mando, pero al mismo tiempo es tan compasiva con los dramas de pacientes y médico. Es un personaje redondo con vicios y virtudes que la vuelven muy humana y permite explorar matices y explosiones humanas y que nunca deja de ser solidaria y generosa. Me encanta. Amo a Teresa y estoy muy agradecida por poder interpretarla.
La serie gira en torno a la memoria y la identidad. Desde tu experiencia, ¿qué tanto de nosotros se define por lo que recordamos y qué pasa cuando eso desaparece?
Me gusta mucho la filosofía budista y creo que apegarse a los recuerdos no deja nada bueno jajaja. La verdad, me parece que la identidad existe para que la podamos cambiar y el reto es siempre ser mejor persona y no dejarse llevar por "quiénes somos". Somos muchas cosas y lo que le pasa a Andrés Ferrara es que justo aprovecha la oportunidad de soltar su pasado para ser mejor.
Trabajar en una producción internacional de Netflix implica otra escala y ritmo. ¿Qué ha sido lo más retador y lo más estimulante de este proyecto?
Me encanta el proyecto, me llena de orgullo estar en una producción tan profesional, tan impresionante, el set es una locura de hospital construidos en un edificio x y todo lo que hay dentro es impactante, por supuesto que eso estimula para hacer bien el trabajo y comprometerse al 100 y si hablo de mis compañeros, quienes están lanzando estímulos en cada toma, me quedo corta.
El reto es decir palabras como "desfibrilador", en medio de una toma en la que haces un RCP y el paciente es un compañero de trabajo que adoras, eso sin contar que hay 13 escenas iguales en el día. Quizás suena terrible, pero amo mi trabajo.
Estás filmando en Colombia la segunda temporada. ¿Cómo cambia tu proceso actoral cuando estás lejos de casa y en un contexto cultural distinto?
Amo Bogotá, tenía miedo de alejarme tanto tiempo de casa, pero estoy feliz con esta experiencia que me ha permitido conocer gente increíble, lugares hermosos. Es un gozo estar en Bogotá.
Viendo tu trayectoria —teatro, cine, series—, ¿qué historias sientes que aún te faltan por contar y qué tipo de personajes te gustaría conquistar en los próximos años?
Me encantaría hacer un monólogo teatral. Ese es un reto que me debo y espero pronto llevarlo a cabo.
Has trabajado en proyectos como Sexo, Pudor y Lágrimas 2. ¿Cómo encuentras tu voz individual dentro de historias donde el protagonismo se comparte?
Creo que hay que dejar de lado la voz individual. Lo importante es conectar con la historia, es como pasar la pelota durante una hora y hacer que nunca caiga. Creo que actuar se trata del otro, del estímulo que continuamente nos vamos pasando y con él, contamos la historia. Y eso me parece un acto de generosidad que puede convertirse en arte y ser bellísimo.
Tu carrera combina profundidad artística con proyectos de alto alcance comercial. ¿Cómo equilibras lo que te reta creativamente con lo que conecta con audiencias masivas?
La verdad, soy muy caprichosa, hago lo que más me divierte, no necesariamente me refiero a la comedia, sino a los procesos que me tocan o me mueven o me divierten y ahí pongo más importancia.
En DOC hay una carga emocional fuerte ligada a la salud y la vida hospitalaria. ¿Hubo alguna escena que te dejara emocionalmente drenada o que te marcara especialmente?
El trabajo de Juan Pablo Medina me parece muy conmovedor y la escena en la que despierta y se entera que perdió la memoria nos hizo llorar a todos los presentes, incluyendo el crew. Ahí me di cuenta que la serie era potencialmente llegadora, cuando ves a los técnicos tocados, es un éxito asegurado.
Mirando hacia atrás, desde tus primeros montajes hasta hoy, ¿qué versión de ti como actriz sientes que ya no existe y cuál apenas está empezando a surgir?
Antes me preocupaba mucho por "hacerlo perfecto", ya me di cuenta que lo perfecto es inhumano, ahora sólo quiero dejarme tocar por los personajes, divertirme en escena y explorar a profundidad la naturaleza humana. Siento que estoy mucho más relajada y estudio sin tanta exigencia, pero siempre con disciplina.
En una industria que está cambiando tan rápido, ¿qué crees que debe evolucionar en el cine y la televisión en México para contar historias más honestas y poderosas?
Debemos tener más medios de difusión, somos muy talentosos en el gremio, pero si la gente no se entera que está tal serie o tal película en cartelera, será difícil seguir creciendo.
Tags relacionados
Queda prohibida la reproducción total o parcial del contenido de esta página, mismo que es propiedad de MILENIO DIARIO, S.A. DE C.V.; su reproducción no autorizada constituye una infracción y un delito de conformidad con las leyes aplicables.